Corrente Rinascimentale all’interno della quale cresce l’interesse per il dettaglio e per la lavorazione curvilinea dei metalli. La produzione di questo periodo si arricchisce di motivi ornamentali sempre più esuberanti. Fanno la loro comparsa elementi nuovi, quali: volute, riccioli, putti, ghirlande, amorini.

Lo stile Luigi XV può definirsi l’espressione più piena del Rococò. Sugli impianti formali vegetali, umani o animali si innestano motivi capricciosi quali: palmette, perle, conchiglie, rosette, ovuli, spirali, fiorellini e foglie intagliati nel legno, oppure fusi in bronzo dorato o ancora modellati in porcellana o in ceramica policroma.

In reazione allo stile precedente prevalgono ora la funzionalità sull’estetica, la regolarità sulle asimmetrie, la linearità rettificata sulle sinuosità avvolgenti. Gli elementi non geometrici, ammessi nella composizione, attengono il motivo vegetale, animale, mitologico; si pensi a grifoni, leoni, sfingi, ma sempre in forma stilizzata.

Un gusto teso a sottolineare la grandiosità delle imprese napoleoniche. I motivi decorativi, quali sfingi, templi, cigni, vittorie alate e corone di alloro ridotti nelle dimensioni e assottigliati negli spessori assumono valenze decorative sobrie e lineari, perdendo del tutto l’aulico richiamo simbolico.

Oltre al lusso ed alla pomposità di un ritorno al gusto Luigi XVI, lo stile Secondo Impero importa nella Francia di secondo Ottocento le esperienze innovative in campo economico e industriale dell’Inghilterra vittoriana. La produzione in larga serie e a basso costo dai processi industriali aprono il mercato alle classi meno abbienti.

L’Impero Britannico al suo apice raccoglie e mescola gli stili provenienti da Europa e Oriente mantenendo però una sobrietà e un equilibrio tutto britannico. Si possono trovare influssi Rococò, particolari ispirati dalla natura e linee rigorose di sapore gotico.

Generato da un senso di ribellione e riscatto nei confronti dell’industrializzazione, l’Art Nouveau auspica il ritorno a un artigianato di qualità. La tendenza all’assottigliamento delle linee, alla duttilità, alla plasticità, la preferenza verso l’andamento curvilineo e le alternanze concavo-convesse, diventano fondanti. In Italia lo stile è diffuso con la declinazione locale di “floreale".

Un classicismo moderno che porta a semplificare le forme verso geometrie più nette e decise. Il gusto permane aristocratico e talvolta cita piccoli elementi decorativi del passato. La composizione è equilibrata ed elegante, i disegni sono appena accennati e schematici.

La geometria anima e in forma gli stilemi di questa corrente, che in antitesi con i motivi Art Nouveau, rettifica e spezza la linea fluente continua ed enfatizza le tinte non più tenui e pastello ma piene e squillanti. Tra le figure troviamo la “forma gradonata”, una sorta di struttura scalare progressiva e speculare.

Polimatericità, varietà conformativa, attenzione estetica derivate dal costante dialogo tra il “sapere” e il “sapere fare”, generano un design colto e raffinato, economicamente accessibile e qualitativamente eccellente. Reinterpreta i valori del classicismo mediterraneo: buon disegno, proporzione e armonia portando nel design l’ironia, la bellezza, l’invenzione.

Nasce la grande distribuzione commerciale e si scopre una nuova concezione di benessere. Alcune arti raggiungono un’eccellenza stilistica indiscussa. Il design italiano è ad oggi uno dei più famosi e riconosciuti a livello mondiale e segna l’inizio dello stile contemporaneo. L’ergonomia viene applicata agli oggetti di vita quotidiana.

Colori pop sul Rococò: Luigi XV incontra Andy Warhol a cena da Enrico Cassina.